Reestrenan documental sobre el emblemático Night Club Habanero “El Gato Tuerto”

 

Original de Lourdes Elena García Bereau

Edición, adaptación y comentarios de Toni Basanta desde Fairfax, Vermont, EUA 

La Habana, ACN = Agencia Central de Noticias

El Gato de La Habana, largometraje documental sobre el emblemático Piano Bar El Gato Tuerto, volvió a exhibirse por segunda ocasión el viernes 15 de Septiembre en La Habana, luego de su extenso recorrido internacional.

La nave tres de la Fábrica de Arte Cubano acogió el reestreno de este material, atrayente por el amplio trabajo investigativo llevado de la mano del periodista y documentalista brasileño DACIO MALTA,  quien acudió a esta presentación especial para intercambiar sus impresiones con el público asistente.

Con un valor testimonial incalculable, el largometraje logra aunar en 87 minutos entrevistas únicas de artistas como Omara Portuondo, Frank Fernández, Chucho Valdés, Pablo Milanés, Jose Luis Cortés, Juana Bacallao y el brasilero Caetano Veloso, entre otros músicos y escritores, quienes en los primeros años de la década de 1960 comenzaron a nuclearse en El Gato Tuerto.

Sin grandes pretensiones cinematográficas, el documental ahonda en el contexto de La Habana nocturna y abre las puertas a memorias de una época donde éste Piano Bar devenía epicentro naciente del movimiento cultural de la capital.

D.M. : “He visitado CUBA, muchas veces  y siempre me llamó la atención que sobre el Gato Tuerto no hubiese libros, películas, o documentales; ésta fue la razón que motivó la investigación”, aseguró  su realizador a la ACN.

D.M. : “Creo que es una contribución a la Cultura Cubana, un paso hacia el rescate del llamado Movimiento del Filing (Feeling) en el contexto artístico actual; y un homenaje a aquellos intelectuales y músicos que junto a Felito Ayón, su fundador, lograron crear un increíble lugar para las Descargas y los Boleros en La Habana”, aseguró.

Aunque por momentos,  el eje narrativo del documental se diluye entre historias personales de los artistas, El Gato de La Habana constituye un material de referencia para los que quieran estudiar la historia cultural de la Isla en los primeros años de la decada del 1960. 

   Estrenado en el pasado Festival Internacional del Nuevo Cine
Latinoamericano, el largometraje regresa ahora a la capital cubana luego de recorrer diversos festivales en los Estados Unidos, Europa y
Latinoamérica. 

Mi comentario

Que alegria tan grande leer acerca de un DOCUMENTAL sobre EL GATO TUERTO !!!!!

Ojala que se hagan otros acerca del Club Imagenes, El Scherezada, El Palermo Club, El St. John’s, La Gruta,  La Torre, ….  y todos los Clubes que todavia existen,  y que tanta vida cultural le dieron a CUBA y al mundo.

CREO y afirmo que muchos de estos espacios se conviertieron en Centros Nocturnos inoperantes producto de que sus  “GERENTES” y  SUS EMPLEADOS, no tenian nocion alguna de lo que implicaban como CENTROS DE TRABAJO para los artistas y lugares de expansion para el publico.

Ah, y el Servicio Gastronomico DEFICIENTE !

La mejor prueba la tenemos en el CLUB SCHEREZADA que en los primeros anos del Nuevo Milenio no era ni la SOMBRA DE LO QUE FUE. Ya no habia ni PIANO.

Lo recuerdo con una dosis de tristeza,  porque muchas de las festividades de Radio Metropolitana se hacian en EL SCHEREZADA, Club del que muchas noches fui un visitante habitual, especialmente cuando tocaba FRANK EMILIO y cantaba CESAR PORTILLO.

Gracias a DACIO MALTA por su Documental y que tenga

mas MUSICA EL emblematico GATO TUERTO NIGHT CLUB, pero MUSICA apropiada para un Night Club.

Y que NO PERMITAN QUE SE FUME,  por favor.

Thank you for Not Smoking

American Cancer Society

Toni Basanta

Advertisements

Trombonist BOB FERREL’s album JAZZTOPIAN DREAM feat. singer Dwight West

 

Written by Jim Eigo from The National Radio Campaign in favor of Jazz in the US

Edition , adaptation and comment by Toni Basanta from Fairfax, Vermont

Radio Submit Download: http://www.radiosubmit.com/rs/BobFerrel/

A Non-Authorized Bio of Bob Ferrel :

BOB attended Northern Illinois University and Jersey City State College, and by 1979 (at age 19) was traveling worldwide with the Duke Ellington Orchestra conducted by Mercer Ellington.

While in the Duke Ellington Orchestra,  Bob was privileged to work with great performers including: Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Nancy Wilson, Johnny Hartman, Della Reese, Cab Calloway, Cootie Williams, Mulgrew Miller, and Kenny Garrett.

BOB  then performed for one year with Charlie Persip’s “Superband” at the Jazz Forum, Village Vanguard and The Kool Jazz Festival in NYC.

After that time, BOB worked for six years with Southside Johnny and the Jukes, traveling worldwide, recording 3 albums, having appearances on MTV & TV shows, and appearing in the Touchstone movie “Adventures in Baby Sitting”.

While playing in the Jukes, guest artists included Bruce Springsteen, Jon Bon Jovi, Stevie Ray Vaughn, Little Richard, the Beach Boys, Dionne Warwick and the Shirelles.  

BOB FERREL THE EDUCATOR

HE currently teaches 40 private students a week, and is former Musical Director for the Spirit of Life Ensemble, traveling worldwide and freelancing in the NYC area. 

During his 18 years with Spirit of Life Ensemble, Bob played for 5 years at Sweet Basil, a renowned Jazz Club in NYC.  

Guests that played with the band included Ted Curson, Raul de Sousa, Kenny Barron, Eddie Henderson, Billy Higgins, Albert Mangelsdörff, Joe Lee Wilson, and Vinnie Cutro.  

Bob has traveled to 25 different countries and 45 states of the American Union , and recently was the Guest Artist at the 2009 Nomme Jazz Festival in Estonia (Eastern Europe, ex- Russian territory).  

Completed a tour to at Paris, France, playing La Sorbonne University in 2014.  

THE BIG APPLE

Over the past few decades, Bob has played at many major venues in NYC

Madison Square Garden; Radio City Music Hall; The Broadway Show “Grease”; Lincoln Center; The Village Vanguard; The Jazz Forum; The Village Gate; Sweet Basil; The Mercury Lounge; The Ritz; The Palladium; Cleopatra’s Needle, Power Station & Record Plant Studios, and many others.

Bob has recorded in over 50 LPs / CDs in the US-Europe-Japan circuit, and has appeared on dozens of US / International TV Shows.

For more information, visit Bob Ferrel on Facebook and YouTube.

Bob has produced 4 Solo Jazz CDs & 2 Early Renaissance music CDs.

“BOB FERREL’s JAZZTOPIAN DREAM” featuring singer Dwight West

BFM Productions / BFM-004

 

Track

Song Title

Composer

Time

1

Secret Love (Lunch Energy)

Mitchell Parish & Bobby Sherman

3:17

2

Alter Ego (A.M.+Ofc+Chill)

James Williams (Bossa Nova Thing)

7:22

3

Yardbird Suite vox

Charlie Parker

5:13

4

Inner Glimpse (Lunch Energy) Alfred McCoy Tyner

6:18

5

Poetry (AM+Chill)

Timothy Hayward

4:36

6

Don’t Go To Strangers vox

Arthur Kent and Dave Mann, and Redd Evans

4:25

7

We Began with a Kiss (Eve Dr) Augie Rivera Samba

5:59

8

You’ve Got to Have Freedom vox Ferrell Pharoh Sanders

9:25

9

Soul Bob (Eve Dr) Bob Ferrel

6:24

10

Every Day I have the Blues vox Aaron Sparks

4:53

 

 Musicians Names + Instruments :

Bob Ferrel -Trombone / Leader

Dwight West (Vocals),  Vinnie Cutro (tp),  Rob Henke (tp),  Joe Ford (as),

Frank Elmo (tenor & alto),

Roy Nicolosi (baritone, tenor-alto sax,  tp and album producer)

Sharp Radway  (p),  Hector Davila (p)

Daryl Johns (ab),  Ruben Rodriguez (Ampeg Baby Bass)*

Frank Valdes (assorted percussion), Steve Johns (d)

 

“I sincerely hope you all enjoy my new CD “Bob Ferrel’s Jazztopian Dream”. 

Each Song is a reflection of the many different bands I’ve worked with in my career. This project is certainly a “Jazztopian Dream”,  but also a dream come true. Enjoy

Bob Ferrel

 

Print Promoter Contact Info: Jim Eigo  JAZZ PROMO Services

Available From: CD Baby, Apple iTunes, Amazon, Google Music Store, Shazam, Sound Exchange, Tradebit, 

GOING FOR ADDS:  SEPT. 22nd

My comment

I discovered BOB FERREL through the albums and Big Bands of trombonist-composer Michael Treni. “Pop Culture Blues” and Turnaround”.

Fortunately, TURNAROUND’s production incorporated a DVD with Treni’s band members where ROY NICOLOSI is also the album producer and it’s part of my THE CUBAN BRIDGE TV catalogue.

Some of FERREL’s band mates are his colleagues on Treni association as well.

JAZZTOPIAN DREAM is a new Family Album,  which I’m glad to have been included among the beneficiaries.

Good luck, success for BOB FERRELL   anD more great JAZZ Big Bands popping up.

Toni Basanta 

 

 

No soy Jazzista, amo la música toda

Janio Abreu va y viene, de Ida y de Vuelta está su música, desde Cuba y para Cuba…

confiesa que le interesa llegar a todo tipo de público

Escrito por  ANA MARÍA DOMÍNGUEZ CRUZ

Edición, adaptación y comentarios de Toni Basanta desde Fairfax, Vermont, EUA

Janio Abreu, (clarinetista, saxofonista, compositor, arreglista) busca en otros puertos la música que, además de disfrutar, le permite enriquecer la sonoridad que defiende en su agrupación Aire de concierto.

¿ para qué quiero un selecto grupo de seguidores ? 

Confiesa que le interesa llegar a todo tipo de público,  y para ello también le interesa indagar en novedades.

J.A.  : “Hace diez años, que celebraremos el próximo 10 de diciembre, éramos tres instrumentos de viento con una batería y un acompañamiento de guitarra que además podía hacer el bajo. Un formato inusual que exigía mucho de nosotros como músicos y para brindarle al público una propuesta diferente y atractiva.

“Tiempo después, a partir de un contrato que tuvimos con una compañía de espectáculos alemana incorporamos tumbadora, batá, timbal y eso nos dio otra sonoridad”.

“Luego las experiencias de experimentación se sucedieron, yo estuve a cargo de la dirección musical de un espectáculo con una orquesta femenina, por ejemplo, y todo eso va añadiéndole ingredientes a esa gran receta que queríamos tener”.

“Gracias a la relación de trabajo con esa compañía alemana, giramos por Alemania, Letonia, Polonia, Holanda, Turquía y otras naciones. Fue muy bueno para el grupo, para cada uno de los músicos y para que la música cubana se hiciera sentir en sitios que jamas habiamos imaginado”.

“No puedo mentirte. En una década, el camino ha sido largo, tortuoso, porque a pesar de esas experiencias internacionales no hemos tenido todas las facilidades que hubiéramos querido pero hemos seguido trabajando. Con mis 33 años y a pocos días de iniciar una gira por los  Estados Unidos me alegro de lo que hemos logrado”.

— Tu estancia durante poco más de un año en los Estados Unidos te aportó mucho en tu formación

J.A. : “Claro que sí. Participé en un intercambio estudiantil en la Florida International University y en primer lugar comprobé que la formación que recibimos los músicos en CUBA es muy buena. Allí profundicé estudios y compartí con músicos muy importantes como, por ejemplo, el pianista Michael Orta quien ha trabajado con Paquito D’Rivera,   Arturo Sandoval y Carlos Averhoff, Sr.

“Pude establecer no una relación de trabajo sino de amistad con Víctor Goines, miembro de la Lincoln Center Orchestra y del Septeto del trompetista  Wynton Marsalis, además de ser el director de los Estudios de Jazz de la Chicago Western University.

”Próximamente estaré en el Festival de Jazz de Chicago gracias a que Goines me invitó. A él le agradezco muchas vivencias, entre ellas, haber conocido a La Familia Marsalis, que te dejan con ganas de no dormir y no parar de tocar”.

— ¿Te consideras un Jazzista?

— NO, y te explico por qué.

Ser Jazzista no es solamente recorrer los acordes de un estándar o componer, incluso, temas nuevos. Hay una historia que te precede, y por eso es importante conocer los músicos. En los Estados Unidos, durante mi estancia de estudios, lo comprobé. Tocaban temas en una clase de un grupo paradigmático y sus estudiantes se los sabían, conocían además las versiones que les han hecho, e incluso están al tanto de los músicos que interpretan cada versión. Eso sí es saber de un género, eso si es rigor.

“Por eso abogo porque exista la Escuela Cubana de Música para profundizar en toda esa cultura musical que nos precede. Los más jóvenes tenemos que saber quiénes acompañaban a Benny Moré porque él no estaba solo…

Tenemos que saber quién era el pianista de la Sonora Matancera. A los músicos consagrados ya, con más experiencia, les corresponde compartir esos conocimientos para que esa savia no se pierda.

— Hablemos de Ida y Vuelta, tu más reciente disco, presentado en diciembre último…

— Pues reuní a unos amigos : Antonio Guillén en el bajo, Denis Bofill en las congas, Julio César Pérez en la batería, Roger Rizo en el piano… Solo dispusimos de dos turnos de grabación un domingo y lo hicimos en 7 horas y media, y pude tener además a Alejandro Falcón como invitado, compositor del tema Con aire de Danzón.

— Adelántate al almanaque…

Después de esa gira por los  Estados Unidos a partir del 25 de agosto, que tienes para nuestro publico …

— En noviembre estaré en un concierto de música clásica a propósito del aniversario de la Basílica Menor del Convento de San Francisco de Asís, y allí estaré más cerca de mis raíces musicales, ya sabes…

“Después estaré en un gran concierto a lo zarzuela o canción lirica, con música de Ignacio Cervantes, Ernesto Lecuona y Gonzalo Roig y además música de Broadway con una soprano de la Universidad de Chicago, la Orquesta de Cámara del Gran Teatro de La Habana, el Coro del Teatro Lírico y mi banda “Aire de Concierto”.

Mi comentario

Aire de Concierto representa a LA NUEVA GENERACION DE LA MUSICA CUBANA,  y esta entrevista realizada por Ana María Domínguez Cruz a Janio Abreu lo confirma.

Exitos,  

Toni Basanta

Antonio Adolfo in a Brazilian Tribute to Wayne Shorter


Written by Jim Eigo  National Press Campaign / Jazz Promo Services

 

Edition, adaptation and comment by Toni Basanta from Fairfax, Vermont, USA

For the esteemed Brazilian composer/arranger/pianist Antonio Adolfo, his life’s work has been to bring to the world the diverse richness of the Brazilian musical traditions – with a particular focus upon its parallel developments with the profound legacy of jazz.

But of equal importance is making great music, to which his many highly acclaimed and Latin Grammy-nominated albums clearly testify.

For his latest delightful excursion, the incomparable Wayne Shorter provides the essence of his focus with HYBRIDO, subtitled From Rio to Wayne Shorter.

“Mr. Wayne Shorter is one of my musical idols, both as instrumentalist and composer. His compositions have very rich harmonies and melodies, and in my opinion, they can fit very well with the Brazilian style.”

This wonderful album clearly supports that opinion.  In his masterful hands, eight iconic Wayne Shorter compositions – along with one outstanding and fully compatible Adolfo original – are brilliantly re-imagined, while remaining utterly respectful and confluent with the composers intent. Shorter’s richly lyrical and compelling compositions are ripe for interpretation and sophisticated in both harmony and rhythm to allow for adventurous exploration while holding to their essential musicality. They also provide the ideal springboard for Antonio’s multi-cultural approach to creativity, further clarifying the album’s title.

I love this hybridism of cultural and music styles, since new ideas and possibilities come from it.”

As with so many of the finest ensemble-focused artists – musicians, choreographers, film makers alike – a consistency of collaborators is so often a key ingredient of artistic achievement.

Of his nine musicians here, only two are new to his circle – the excellent electric guitarist Lula Galvao and the fine vocalist Ze Renato who performs on only one track, “Footprints”.

The core four, who bring their superb talents to all nine pieces, are Marcelo Martins on tenor / soprano sax and flute, double bassist Jorge Helder, Rafael Barata on drums & percussion, and Galvao.

Andre Siqueira adds his percussion wizardry to five tracks, and the acoustic guitar of the masterful Claudio Spiewak graces one. Trumpeter Jessé Sadoc and trombonist Serginho Trombone round out the horn section into a powerful threesome on five tracks, with Adolfo’s marvelous arrangements making it sound even more sumptuous.

The consummate musicianship that one has come to expect from Antonio’s ensembles is in full bloom here as well.

Sadoc’s hard-bop fluency clearly evokes the Lee Morgan/Freddie Hubbard accompaniment that Wayne called upon, and Serginho augments his raw roots-of-jazz-trombone sound with the fluidity of Curtis Fuller, while Martins muscular tenor and sinuously lyrical soprano stylings are ideal for this homage.  

Galvao’s flawless buoyancy and imaginative solos sparkle, and Helder’s bass is always vitally rhythmic and deeply wooded in providing the heartbeat.

Barata’s splendid creativity and ingenious subtlety is always in play as he consistently probes, colors, emphasizes and drives the music at all times. The seamless synchronicity he shares with Siqueira  is spectacular. And Antonio of course, continues to be a revelation of piano artistry while providing the substance that always ties all the music together within his own singular vision through his marvelous arrangements, spirited embellishment and energetically lyrical, inspired solos.

The compositions chosen by Adolfo are predominantly from the 1960s, with two notable and quite fitting exceptions – both coming from Shorter’s 1974 collaboration with the legendary Brazilian composer, musician and singer Milton Nascimento – and both truly beautiful compositions.

For Beauty and the Beast Antonio employs what he calls a SamBossa, with a shifted groove during the exposition of the melodic line. Martins plays soprano and flute here, with a splendid solo on flute. Spiewak’s acoustic guitar accompaniment is captivating, as is Antonio’s solo.

Ana Maria, Wayne’s exquisite Eastern-tinged paean to his wife is lovingly stated by piano and soprano – gently in front and more intensely going out. The straight Bossa approach is enhanced by Adolfo’s and Lula’s stimulating solos and Martins’ spiraling excursion.

There are two pieces whose initial incarnations came through Wayne’s participation in Miles Davis’ classic ‘60s Quintet.

E.S.P. an adventurous item in its original version is taken even further here with a deliciously de-constructed approach by piano and then soprano.  The rubato exposition flows into a daringly staggering groove with a Baião flavor. Brilliant piano interplay with bass and rhythm, as well as a fine soprano and terrific chordal based guitar solo add to the mix.

Prince of Darkness sizzles with an original intro in Baião style with colorful percussion, a few interesting new harmonic changes, soaring piano, lithely limber soprano and sparkling guitar solos.

The remaining five pieces feature the full three-horn ensemble.

Footprints, while also initially heard through Miles’ Quintet can comfortably be called Wayne’s best-known and most-played work. But Antonio’s take on it is thoroughly fresh, with a taste of Brazilian Central West Guarânia rhythms. Retaining the original 3/4 rhythm, the scintillating percussion and the alluring wordless vocalizing of the great Ze Renato provide new dimensions. Soulfully syncopated guitar, lush and vividly rhythmic piano, and a rousing trombone solo that is fully controlled but emotionally raw add to the transformation.

Deluge, which opens the album, is loyal to the straightforward concept of the JuJu album where it first appeared, but renewed in feeling by some syncopated rhythmic shifts on the head that significantly alter the context. Lyrical trumpet, virile tenor and effervescent piano (Rhodes for the only time on the album) are perfect for the fiery atmosphere.

The powerful horn ensemble on its bridge helps Black Nile crackle with energy, further emphasized by blazing tenor, piano and guitar solos.

Speak No Evil superbly captures the aura of controlled intensity and palpable tension of the original, holding to the adventurously modern harmonies, but spiced with Brazilian flavor through its rhythmic approach. Riveting trombone, rollicking tenor and subtly shaded piano all lead to a short but explosive drum solo that starts the drive home.

The Adolfo original Afosamba closes the album, with a blend of the ritualistic Afoxé style combined with the hugely popular Samba. A full-bodied theme sets the tone for robust trumpet and dynamic percussion interplay that introduces a delectable piano solo. It’s a perfect closure to this radiant album, providing a summary overview that places a clear perspective on the overall theme, demonstrating both Shorter’s  influence upon Antonio, as well as the always ongoing continuity of inspiration and development that great artists have not only on each other, but on the entire art of music.

Given Wayne Shorter’s various forays into the world of Brazilian music, the question has arisen… what if Wayne Shorter had been born in Brazil ?

Antonio Adolfo’s extraordinary HYBRIDO provides a very appropriate answer.

Antonio Adolfo
HYBRIDO-From Rio to Wayne Shorter
ANTONIO ADOLFO (arrangements and piano) – electric piano on # 1,
LULA GALVAO (electric guitar), JORGE HELDER (double bass),
RAFAEL BARATA (drums and percussion),

ANDRE SIQUEIRA (percussion), JESSÉ SADOC (trumpet),
MARCELO MARTINS (tenor and soprano saxes) – flute on #3,
SERGINHO TROMBONE (trombone), ZE RENATO (vocals on #2),

CLAUDIO SPIEWAK (acoustic guitar on #3).

For more information, visit www.aammusic.com

Antonio Adolfo
“HYBRIDO – From Rio to Wayne Shorter”
CD release Concert  took place on
Monday, August 28th • 8 pm in Mimai, FL
featuring
Antonio Adolfo (Piano ),  Jamie Ousley (Bass), Carlomagno Araya (Drums ), Cisco Dimas (Trumpet), Aldo Salvent (Soprano and tenor saxes),  Miles Fielder (Trombone)

MIAMI JAZZ COOPERATIVE

OPEN STAGE CLUB

2325 Galiano Street

Coral Gables, FL 33134
www.openstageclub.com

Jim Eigo  National Press Campaign / Jazz Promo Services
Ph: 845-986-1677 / jim@jazzpromoservices.com
www.jazzpromoservices.com

 

 
 
 
 

Juanito Márquez el músico más grande que ha nacido en Holguin, Cuba

Juanito Márquez : “La música es mi trabajo y mi placer”

CUBAENCUENTRO conversa con el conocido compositor e interprete cubano, coautor de

la letra del tema musical principal de Chico & Rita, nominada al Oscar este año

 

Buscando fotos de JUANITO MARQUEZ encontre esta entrevista realizada en el 2012 por la periodista Mercedes Eleine Gonzalez y crei necesario revisarla, actualizarla con mis modestos conocimientos del Maestro y compartirla con ustedes a traves de mi BLOG.

 

Hace varios  años que recibo noticias de CUBAENCUENTRO y ahora quiero agradecer el intercambio con una solida BIOGRAFIA de labios de uno de los mas Grandes Musicos Cubanos y Universales de todos los tiempos.

C.E. : Conversar con una importante figura del arte, o de cualquier ámbito reconocido socialmente, es un aporte personal por lo que deja en una. Pero conversar con una gloria de la música cubana y sentirnos que estamos ante una de las personas más sencillas  y modesta del mundo es una lección de humildad,  que no se encuentra con frecuencia en nuestros días.

Esto fue lo que experimenté la tarde en que tuve el placer y el honor de departir con Juanito Márquez, esa gloria de la música cubana, quien conversa con CUBAENCUENTRO y relata detalles de su vida y de lo que ha significado para él compartir créditos con destacadas personalidades de la producción artística y de la cinematografía actual.

Usted estudió música con su padre, Juan Márquez Gómez, gran guitarrista clásico y director de orquesta; creció en un entorno musical que influyó  en su vocación,

¿qué anécdotas recuerda de esa importante etapa de aprendizaje con su padre?

Juanito Márquez (JM): Recuerdo que estaba rodeado siempre de música, mi padre, mis hermanos y hermanas tocaban algún instrumento; una hermana mía tocaba guitarra clásica, otra tocaba de oído, casi todos mis hermanos estudiaron música; el mayor tocaba trompeta, otro saxofón, otro tocaba guitarra pero de oído, ese no la estudió.

Una hermana mía tocaba el piano. Somos seis hermanos, tres y tres, muy balanceado todo. Había disciplina, mi papá me exigía disciplina pero tenía un carácter muy bueno, muy suave, por lo que la exigencia no era exagerada.

¿Algún otro instrumento además de la guitarra?

JM: No, sólo la guitarra, eso es lo único que aprendí. Me insistieron en que estudiara el piano,  y ahora me pesa no haberlo hecho, pero nunca me atrajo, preferí la guitarra.

Mi papá tocaba varios, guitarra, violín, mandolina y era director de banda, dirigía la banda municipal de Holguín; esa bandita sonaba muy bien.

¿En qué año era eso?

JM: Bueno, imagínate, desde antes de yo nacer, vaya y no te digo, ja, ja, ja, yo me acojo a la Quinta Enmienda.

Usted comparte créditos con esa leyenda viva que es Bebo Valdés y el productor musical Nat Chediak en la banda sonora del filme de animación del español Fernando Trueba, Chico & Rita, nominado a los Premios Oscar 2012.

¿Cuál fue su participación? ¿Qué ha significado eso para usted?

JM: BEBO ya tenía ese instrumental y yo hice la letra porque había que acondicionarla para que se adaptara mejor al argumento de la película, y entonces NAT, que sí lo conocía, contribuyó de manera muy eficaz,  porque hizo los cambios necesarios, salió la primera estrofa y  entonces compusimos la letra.

Yo tengo una anécdota  de Bebo Valdés en mis inicios.

Estando yo en Holguín no tenía contacto alguno con BEBO. Antes de tener contacto con la Orquesta Riverside y de hacer Alma con Alma, ya yo había compuesto un número cuyo género, pudiéramos decir era Latín Jazz,  aunque no existía todavía como tal.

Bueno,  compuse esta pieza con las características del Jazz y de la cosa cubana y Bebo Valdés tenía una orquesta tremenda, buenísima, yo la escuchaba, creo que por la emisora RHC, Cadena Azul. Entonces hice ese número instrumental, La Feria de los Siglos, que es el título de los Carnavales de Holguín y se lo mandé.

La orquesta de BEBO (Sabor de Cuba) era tremenda, estaba compuesta por cuatro trompetas, cuatro trombones, cinco saxofones, tres trompas. El caso es que le mandé el número instrumental y le gustó, después el me llamó por teléfono a casa de un vecino porque nosotros no teníamos ni teléfono y habló conmigo y me dijo:

B.V. : “Óyeme, muy bueno, tienes que venir para acá” y eso me alentó muchísimo. Para mí, imagínate, fue algo tremendo, porque Bebo Valdés ya tenía una fama grandísima.

J.M. : ¿Qué significa?

Muchísimo, realmente un honor, a Chediak lo admiro y lo aprecio como amigo.

Compartir créditos con grandes figuras como Bebo Valdés después de tantos años y con el productor musical Nat Chediak, en la banda sonora del filme es algo realmente grande. Imagínate después de sesenta y pico de años volver a estar musicalmente al lado de Bebo Valdés, esto no se repite con facilidad, por eso digo que es un privilegio.

Bebo fue el primer contacto que hice como músico siendo él ya quien era con la fama que tenía y a mi no me conocía nadie nada más que en mi casa.

Bebo me alentó mucho en mis inicios porque se tomó la molestia de llamarme por teléfono para decirme que le había gustado mucho mi composición en aquella lejana etapa. Ahora al cabo de más de medio siglo, me toca a mí hacer la letra de este instrumental titulado Lili que hizo Bebo para un solo de trompeta, ¿no es una paradoja?

Usted ha obtenido premios internacionales, ha sido arreglista y compositor de grandes figuras, y piezas musicales suyas son antológicas, usted es una gloria de CUBA, pero su modestia y humildad asombran, ¿qué reflexiones o filosofía lo han hecho así?

JM: YO pienso que uno nace con una facultad, con un don que Dios le da a la gente al nacer y eso no es motivo para que las personas se pongan orgullosas, … vanidosas.

No es una filosofía, es más bien una manera de ser, una reflexión que te lleva a actuar de una forma y la vida entonces te sale así.

Mi amigo y socio Luis González, testigo de esta entrevista, dice que hay varios dones que Dios da y usted lo sabe. Claro, el de la música, es un don inapreciable pero hay otros tan importantes, también que todos tienen y no hay que vanagloriarse de ello.

El don o la gracia con que nacemos es un medio que nos facilita la vida porque Dios en su inteligencia nos da hasta la manera de poder sostenernos. Lo que hay que reconocerlo y luego desarrollarlo.

Usted vivió varios años en Madrid, España, donde fue director musical del sello discográfico Hispavox  ¿por qué se radicó en Miami y cuándo lo hizo?

JM: Siempre fue una meta mía venir a vivir a los Estados Unidos.

Salí de Cuba directamente para España. Llegué a España en abril de 1969 y en cuestión de dos meses, no sé de dónde vino la recomendación, me empezaron a llamar. Viví unos seis o siete años en España.

¿Que cuándo me radiqué en Miami?

Yo cogí la residencia en 1974, todavía estaba trabajando con Hispavox. Tenía dos años de contrato en Madrid, vinimos exclusivamente a coger la residencia. Estuve esos dos años allá y ya en 1976 vinimos definitivamente para Miami.

Lo primero que hice en España fue un ensayo para un concierto con Raphael, sí, sí, ese mismo, con Raphael, el cantante español.

¿Que cómo es?

Muy agradable, muy atento con los músicos, muy profesional. Sí, trabajé con otros, bueno, los dos primeros discos de Paloma San Basilio los produje yo.

El orden de las cosas para mí en España fue primero como guitarrista, realmente nadie me conocía como arreglista ni como compositor, después me empezaron a llamar para grabaciones.

En esa época Madrid era un centro de grabaciones enorme, iban a grabar allí cantantes de Italia, de Francia, de Inglaterra, era la meca de la grabación.

Había un cantante francés que ahora no recuerdo el nombre que siempre iba a grabar y mandaba una lista con el nombre de cada uno de los músicos que él quería, y siempre éramos los mismos.

Tambien hice los arreglos y dirigí la orquesta de los primeros discos de José Luis Perales, bueno porque había un Jefe de producción que era muy bueno.

¿Cómo?

Sí, con MOCEDADES  también trabajé, pero después cuando ya fue El Consorcio, ellos hicieron un disco muy interesante que, por cierto, la distribución estuvo muy mal planeada por Sony, el disco se llama CUBA.

Después aquí mucha gente lo ha buscado pero no lo hay, es buenísimo, el trabajo vocal de esa gente es admirable. Sí, son los mismos, Amaya, la cantante principal de siempre y los demás, son los mismos pero ya con el otro nombre.

Las bases del disco las grabamos aquí y luego las cuerdas se hicieron en Inglaterra, yo fui a dirigir las cuerdas en Inglaterra, sí, sonaba igual que el de antes, lo mismo. Siguen cantando todavía, lo que están viajando mucho. Ahora dan conciertos. Han estado aquí en Miami como dos veces.

Esa trayectoria suya se debe saber…

JM: Bueno, ya que me preguntas pues también trabajé con MONCHO, el bolerista, con La Massiel, con Karina, le hice arreglos a Karina, le dirigí a Rocío Jurado, bueno y tú sabes a Gloria Estefan aquí.

Esa es la historia vivida entre Cuba, España y los Estados Unidos.

En Cuba, trabajé con Elena Burke, con Omara Portuondo, bueno, con todos y todas y en España igual. Me estás haciendo hablar.

Es mi tarea.

JM: Con Malena (Burke) hice unas cuantas cosas aquí. Y con el hijo de Eliseo Grenet, con Eduardo Grenet, trabajé haciéndole arreglos a un disco donde  cantaron  Albita, Malena, Carlos Manuel y Roberto Torres.

¿Mi último disco hasta ahora?

Se llama Cubaneo, es todo instrumental. Hay números tradicionales cubanos, cosas de Matamoros, Son de la Loma, cosas de Ernesto Duarte, todo con la guitarra ¿interpretado? Sí, por mí. Y programado por mí.

¿Programado?

JM: El sonido que tú quieres que se escuche de cada instrumento en específico se programa y luego se armoniza para que haya un balance, un nivel armónico, hay que escucharlo todo para escribirlo, se hace lo que es la partitura del director con cada instrumento, ahí está el arreglo completo.

El copista hace las partes individuales de cada instrumento, para que cada músico vaya tocando lo que le corresponde, pero el arreglista tiene el trabajo de oírlo todo y lograr un arreglo tal que sea armonioso para que ningún instrumento sobresalga sobre otro, hasta lograr una buena mezcla.

Hay unos módulos electrónicos que ya vienen con sonido pre-programado que ayuda mucho en esta tarea, hay sonidos de diferentes instrumentos que tú programas y aplicas, de acuerdo con lo que quieras hacer. Lo más importante de todo lo que está grabado ahí es la mezcla final, que es balancear los sonidos para que suene como uno quiere, bueno pero también está el ingeniero de sonido que trabaja de acuerdo con lo que uno desee, baja aquí, sube un poco más allá, y así, hasta lograr lo que se pretende. Sí, es algo trabajoso, hacer arreglos es un arte, independientemente de la tecnología actual.

¿Cómo fue esa primera etapa suya en los Estados Unidos?

JM: Cuando llegamos encontramos la radio un poquito deficiente.

En Madrid era mucho mejor, te estoy hablando de aquella época. Una cosa que nos llamaba la atención eran los anuncios, los comerciales, el escándalo, todo era a gritos, hasta que nos acostumbramos.

No, en España, en Madrid no era así, no había tanta bulla. La vida allá en España era un poquitico más calmada. La gente de España quería que me quedara, pero ya yo me había puesto de acuerdo con amigos míos, guitarristas aquí, Pablo Cano y Papito Hernández, que era bajista, que en paz descanse, y Armando Terrón, cantante lírico y también ingeniero e iniciamos un Estudio de Grabación que se llamaba Claimax y ahí estuvimos hasta que comenzó a complicarse la tecnología.

Tu invertías una cantidad de dinero y comprabas los equipos y a los tres meses estaban obsoletos y siempre había que comprar los últimos, y dije: “Está bueno ya”.

Bueno, la adaptación, imagínate, un día me preguntaron: “¿Usted toca bajo?”

Y yo dije “sí”, nunca en mi vida había tocado bajo, y me dijeron: “Bueno, la grabación es a las tres de la tarde”.

A las doce fui a una tienda y le dije al tipo: “Dame un bajo de esos” y como tiene la afinación de las cuerdas sexta, quinta, cuarta y tercera igual que la de la guitarra, dije:

“Bueno, lo que tengo es que buscar las notas como si fuera una guitarra” y esa fue mi primera grabación tocando bajo sin haberlo estudiado. Sí, toqué bajo y sigo tocándolo. Eso es así, cuando uno está abriéndose paso le dice que sí a todo.

Un tema suyo, Alma con Alma, está dentro de las cien mejores canciones de todos los tiempos; Tito Gómez la grabó con la Orquesta Riverside en 1956 y numerosos intérpretes la han cantado desde entonces ¿a qué atribuye su perdurabilidad?

JM: ¿Ah, sí? ¡Mira eso!

Bueno, lo que se me ocurre es que es un mensaje básico, espontáneo, natural, yo creo que todo el mundo tiene alguien a quien decirle esas cosas, yo imagino que esa es la atracción que hay del tema, porque es sencillo, sencillísimo, un tema muy simple.

El amor no es un tema simple pero usted lo expresa de una manera que parece que lo es; en la sencillez están las grandes virtudes; de ese tema “sencillo” que es su canción Alma con Alma emana mucha dulzura y firmeza

¿quién le inspiró esa canción tan “natural”?

JM: Mi esposa, claro.

Y todavía lo sigue inspirando…también ha compuesto otras piezas musicales muy conocidas…

JM: Sí, claro, como no, todavía me inspira mi esposa, todavía estamos casados.

El tiempo no opaca ese sentimiento que es precisamente el que da aliento para componer las piezas, es algo que se siente, porque como dice mi amigo y socio, Luis González, aquí presente, hablando de Alma con Alma y de su perdurabilidad que me preguntaste anteriormente, la canción evoca la fusión de dos almas, lo que da el sentido de la espiritualidad, que es el amor verdadero. Mejor no lo podría explicar yo. Después que pasa ese primer deslumbramiento de la atracción física, después que pasa esa especie de ceguera inicial queda lo sólido, la fuerza del sentimiento, entonces se depura, se consolida. Eso es amor. Lo que queda es alma con alma. Y es muy lindo que después del tiempo, más allá del tiempo, quede la fuerza de ese sentimiento en uno.

¿Qué es la música para usted entonces?

JM: Lo es todo, ha sido mi vida, es mi vida, sigue siendo mi vida. Es el amor por la vida, por mi esposa, por mi trabajo. Es mi trabajo y es mi placer.

¿Ha rebasado sus propias expectativas?

JM: Yo siento que sí. He estado haciendo toda mi vida lo que a mí me gusta, ¿qué más se puede pedir?

Desde muchacho me he dedicado a la música y sigo haciéndolo ahora, no se puede pedir más. Es muy bonito dedicarse a hacer lo que a uno le gusta, porque eso no es entonces trabajo sino algo placentero. Y yo he tenido esa suerte. La dicha más grande de un ser humano es hacer de su hobby una carrera, hacer lo que a uno le gusta, entonces trabajar no es un sacrificio.

¿Cómo se siente a la distancia del tiempo lejos del terruño holguinero?

JM: Eso siempre se le echa de menos. Y una cosa muy bonita es que creo que allí han hecho hasta un Club que le han puesto Alma con Alma y cada vez que abren la sesión tocan la canción, yo no sé como no se han buscado un problema.

¿Ha vuelto a Cuba?

JM: Fui de visita en el 96, a ver a mi familia. Familiares muy pocos, ya no me queda casi nadie, solo un sobrino y una sobrina en Cuba.

¿En estos momentos qué hace y con quien está trabajando?

JM: Trabajamos en un proyecto que tenemos mi socio Luis González y yo, una Compañía de Producción Musical. Estamos produciendo un disco donde canta una intérprete holguinera llamada Raquel Zozaya, la pieza se titula Marabú, que es una hierba mala, es como un mensaje social con un enfoque que no suene ni político, ni religioso; no es mi línea pero como el mundo está al revés, pues yo he querido dejar un mensaje positivo, es sencillamente el Mal y el Bien.

Arrancar el Mal y sembrar el Bien, en un lenguaje muy cubano.

Ya este disco lo tenemos terminado, ahora queremos ver si se hace un video y lo promocionamos. Ese es nuestro trabajo actual.


Edicion, actualizacion de Toni Basanta desde Fairfax, Vermont, EUA

El titulo del headline / titular es de un holguinero admirador de JUANITO MARQUEZ, ME GUSTO INFINITAMENTE y aqui esta presidiendo la entrevista con el mayor respeto.

Toni Basanta  – desde VERMONT, EUA  -al Este del SOL !

Néstor Torres is a Porto Rican Jazz Flutist

Néstor Torres is a Jazz flautist born in Mayaguez, Puerto Rico, in 1957.

He took flute lessons at age 12 and began formal studies at the Escuela Libre de Música, eventually attending Puerto Rico’s Inter-American University.

At 18, he moved to New York with his family.

TORRES  went on to study both,  Jazz and Classical music at the Mannes College of Music in New York and the New England Conservatory of Music in Boston, among other places.

He moved to Miami in 1981, and signed with PolyGram, where he released Morning Ride in 1989. His major label debut climbed quickly to the top of the Billboard Contemporary Jazz charts and soon brought him widespread acclaim.

TRAGEDY

Tragedy struck a year later when an accident in a celebrity boat race left him with eighteen fractured ribs, two broken clavicles and a collapsed lung. His record company, miserably,  dropped him, he and his wife divorced, and his home was nearly repossessed.

RELIGIOUS CREEDS

TORRES  is also a practitioner of Nichiren Buddhism and a longtime member of the Buddhist association Soka Gakkai International.

 

In 2007, Torres played at the World Music Concert during One World Week  at the University of Warwick .

Albums as a Leader

  • No Me Provoques – 1981
  • Afro – Charanga Vol. 2 –  1983
  • Morning Ride –  1989
  • Dance of the Phoenix – 1990
  • Burning Whispers –  1994
  • Talk to Me – 1996
  • Treasures of the Heart –  1999
  • This Side of Paradise –  2001
  • Mis Canciones Primeras –  2001
  • Mi Alma Latina –  2002
  • The Sutra of The Lotus of The Wonderful Law – 2004
  • Sin Palabras –  2004
  • Dances, Prayers & Meditations For Peace – 2006
  • The Very Best Of Nestor Torres (2007)
  • Nestor Torres – Nouveau Latino (2008)
  • I have  a few more to share with you.
  • The two Volumes of The Cachao Master Sessions, Mi Tierra by singer Gloria Estefan,  Jazz T’a Bueno !!!! with saxophonist Carlos Averhoff, Sr.  and “Game Changer” with Ali Ryerson and her Jazz Flute Big Band where TORRES is a featured soloist.
  • Jazz Flute Traditions Alfi Records, 2017

From his website

Nestor is unlike any other flautist you know. His wide range of talents transcends his music… Beyond the sound of his flute, he is the consummate communicator, always inspiring with his songs and compositions, his voice, and his words, written and spoken.”
– Bernarda Reyes, Latin Recording Academy

My comment

These lines are simply a stub by now, and were taken from Wikipedia, The Free Encyclopedia, which I’ll soon help to update.

I have been admiring NESTOR TORRES for more than 30 years,  since I first listened to him in full via THE CACHAO MASTER SESSIONS in Two Volumes recorded in the US, with an All-Star cast of brilliant players, then with Gloria Estefan and the Miami Sound Machine with Averhoff, Sr,. and finally with Ryerson’s Brainchild dream Big Band – in the role of sideman and guest,  and through Treasures of the heart (1999) and This side of paradise (2001) both  as a leader.  

Just a couple of days ago, I received a new album by TORRES,  via Jim Eigo and The National Radio Campaign – “JAZZ FLUTE TRADITIONS”  Alfie Records, 2017 recorded Live at WDNA 88.9 FM Studios in Florida.

TORRES’s sound has successfully been crossing the dial in my radio shows.

I’ll be back.

Toni Basanta

http://www.nestortorres.com

http://www.facebook.com/nestor.torres

http://www.alfirecords.com

 

 

Dayramir González en La Habana

Tengo muchas ambiciones musicales

El pianista Dayramir González, orgulloso de su formación en Cuba, expande sus horizontes creativos más allá de las fronteras …

“El público cubano es único”, expresó  !

Escrito por  ANA MARÍA DOMÍNGUEZ CRUZ

Edición, adaptación y comentarios de Toni Basanta desde Fairfax, Vemont, EUA

Dayramir González Vicet (n. El Cerro, 18 de octubre de 1983)

Destacado músico cubano. Pianista y Director de Habana enTrance, ha compartido escenarios con Cesar “Pupy” Pedroso,  Chucho Valdés, Bobby Carcassés, Ernán López -Nussa, Pancho Terry y Omara Portuondo.

Obtuvo Premio en el Concurso de Jóvenes Jazzistas, JoJazz, 2006.

A.M.D.C. : “Hay conciertos que no pueden dejar de disfrutarse. Hay talentos musicales a los que no se les puede perder la pista. Hay personas que, lejos de estereotipos y prejuicios, merecen respeto. Y todo ello junto es Dayramir González, un pianista cuyo nombre y aptitudes le han permitido ir más allá de su natal Cerro, en La Habana, y sin perder su identidad, su apego a las raíces, hacerse de un reconocimiento a nivel internacional.

¡¿ Concierto de Dayramir González ?! ¿Dónde? ¡Museo Nacional de Bellas Artes!

Dos motivaciones fundamentals, porque no solo es el músico y sus invitados, sino también la magia de esa salita del edificio de Arte Cubano que propicia que la experiencia que allí se viva no se escape del olvido.

Dayramir es sencillo, jovial, un cubano más. Con traje, sí, pero con una amplia sonrisa salió a la escena e interpretó dos piezas a piano solo, para darle la bienvenida al público que, en butacas y en el piso, decidió esa tarde acompañarle.

Bromeó porque el calor es intenso en La Habana y agradeció que estuviéramos ahí…y antes de continuar manifestó su orgullo por haber egresado de las escuelas de enseñanza artística de nuestro país.

D.G. : “No se imaginan ustedes cuánta preparación hay en las aulas de nuestras escuelas, cuántos profesores virtuosos, cuántos alumnos como yo que luego andan por el mundo y comparten ese orgullo”.

Dayramir  insistió además en agradecer a su familia.

D.G. : “A mis padres, a mi familia toda … Yo nací en El Cerro, en uno de esos barrios en los que ahora muchos de mis amigos están en las esquinas perdiendo el tiempo, otros están presos y algunos ni sé…

Mi familia me educó en valores que me hicieron el ser humano que soy, pero además, el músico que seguiré siendo. Ellos me enseñaron que a pesar de los obstáculos, uno tiene que ser fuerte, y derribar  las barreras que se presenten y andar, andar hacia delante”.

Una de sus mejores obras, ya no a piano, es su hijo, a quien le dedica una pieza, y quien le ha cambiado la vida totalmente.

D.G. : “Y La Habana, esta Habana linda a la que tengo que volver siempre … Ahora resido en Nueva York, y sí que es una ciudad maravillosa, pero La Habana es otra cosa, es diferente … es donde lo encuentro todo”.

No estuvo solo en Bellas Artes, Dayramir se acompañó en el concierto de  músicos “que  demuestran que llegarán lejos”.

El santiaguero Samuel Burgos en el bajo, Legna Otero en la flauta,  y en el cello Martín Meléndez, residente en Barcelona hace algunos años.

Estuvieron además los integrantes del Coro Coralillo, de la Schola Cantorum Coralina, y en interpretaciones muy aplaudidas, Yaíma Sáez y Osdalgia Lesmes. Las cantantes hicieron de sus momentos, uno de los más exquisitos de la noche, y Dayramir desde el piano estuvo feliz.

D.G. : “No todos los públicos te escuchan igual y logras sentirte identificado de la misma manera. El público cubano es único”.

Cuando regrese a Estados Unidos retomará la academia de piano que fundó luego de terminar sus estudios en el Berklee College of Music, de Boston, Massachusetts, siendo el primer cubano que residiendo en CUBA disfrutó de ese privilegio. Volverá para enseñarles a esos niños lo que aprendió aquí.

D.G. : “Lo más importante para mí es que a esos 260 estudiantes les enseño lo que sé con nuestros métodos. No puedo estar lejos, manteniendo una pared entre el alumno, y yo como profesor. Yo necesito, aunque firme papeles y pongan cámaras, acercarme a esos muchachos, tomarles las manos y colocarles bien los dedos en los teclados, y decirles : Cierren los ojos, sientan cómo la nota cae, una detrás de la otra”.

Este prolífico músico no admite etiquetas.

D.G. : “Yo tengo una formación clásica y puedo escribir tanto para una Orquesta Sinfónica como para una Orquesta de Musica Bailable. Hago Jazz, pero puedo hacer Salsa, y seguirme  abriendo al mundo”.

Luego de esta presentación en Bellas Artes, la que tuvo en Fábrica de Arte Cubano, en el Hotel Parque Central y en otros espacios en La Habana, Dayramir tocará en Octubre con la Orquesta Sinfónica de Praga y estará feliz con su segundo disco, que bajo el sello Sony Music, saldrá a la luz el 20 de Octubre “Dia de la Cultura Cubana”.

Una conversación después del concierto me permitió acceder a algunos de los temas que conforman ese fonograma para “actualizar” lo que desde su primer disco Habana en trance, nos ha llegado.

D.G. : “Yo soy un músico cubano orgulloso de serlo. Además, soy un tipo hiperactivo y cada tres meses, como máximo, tengo que mostrar cosas nuevas. Yo no quiero detenerme,  tengo muchas ambiciones musicales y hacia ellas voy”.

Mi comentario

Conoci a Dayramir en 1999, cuando comence a trabajar en el Club de Jazz “La Zorra y el Cuervo” en La Rampa Habanera, y me llamo la atencion, que siendo tan joven tocara con el cantante y percusionista Oscar Valdes y su Grupo Diakara.

En esa banda caracterizada por un fuerte perfil de JAZZ AFROCUBANO con obras de Chano Pozo, Wynton Marsalis e Irakere,  habia que tocar,  y a Dayramir le sirvio la preparacion para luego actuar con Giraldo Piloto y el Grupo Klimax hasta su llegada al Berklee College.

Estamos cerca,  el en Nueva York ahora, antes en Boston y yo en Vermont, y siempre  nos estamos comunicando. Me siento muy contento de haberlo conocido y de alguna manera haber contribuido a una parte de sus exitos iniciales cuando una noche en LA ZORRA se me ocurrio pedirle que trajera piezas que “tuviera en dedos” con  lo que estaba estudiando en la ENA, y el Opening de una de esas noches fue con una contradanza de Jose Maria Vitier que puso de pie a varios cliente en el CLUB.

Lo otro, el resto,  ya es historia y  EL  ha sabido documentar muy bien cada paso de su carrera con la ayuda fundamental de la familia, pues su papa es musico, compositor y Profesor del Instituto Superior de Arte en la Habana, el  ISA, y ese primer eslabon, es siempre bien necesario para alcanzar exitos en la vida futura.

En el Berklee College, tuvo de profesora y mentora a la gran JoAnne Brackeen, una de las mas grandes pianistas de JAZZ de todos los tiempos, integrante de los Grupos de Stan Getz y Joe Henderson, entre otros.

HABANA enTrance, su primer disco, es un buen disco debut. Espero en Octubre,  tener la dicha de recibir el segundo, para sonarlo igual que el primero, en mi programa de radio THE CUBAN BRIDGE @ WWPV 92.5 FM “The Mike” en Colchester, Vermont, EUA.

Para sintonizarlo

Domingos de 12 a 3 p.m. hora estandard del Este

http://www.wwpv.org